"Wrecking Ball"-skribent Stephan Moccio

av Corey O'Flanagan

Når du leter etter anbefalinger om et godt pianoalbum, er Stephan Moccio mannen å spørre. Den kanadiske låtskriveren er det kreative sinnet bak noen låter som du kanskje har hørt før, « A New Day Has Come » av Celine Dion og « Wrecking Ball » av Miley Cyrus, men han er også en klassisk pianist.

Når han ikke lager de vakre melodiene til noen av popens største hits, skriver Stephan også vakker pianomusikk som han har en fremtredende plass på sitt nye album, Lionheart , utgitt 15. oktober 2021. I denne episoden av dawnhawk.org-podcasten , snakker Stephan om de fineste sidene med låtskriving og forklarer hvordan produksjon for slike som The Weeknd hjalp ham med å ta kontroll over kunsten sin.


Tilbake til pianoet

Jeg kom fra en verden av låtskriving og produksjon – jeg er en klassisk musiker – og jeg tok en bevisst beslutning for noen år siden om å komme tilbake og gå tilbake til pianoet fordi jeg følte at det var det neste nødvendige kapittelet i livet mitt. Selv om jeg hadde opplevd en enestående suksess med noen fantastiske artister, var livet mitt ganske vagt og komplisert. Jeg ville bare redusere, redusere, redusere og bringe det rett tilbake til det grunnleggende igjen og komme tilbake til instrumentet jeg startet med.

Jeg kom aldri til musikk for å tjene penger. Det var alltid et biprodukt av hardt arbeid. Men jeg kan drive med musikk fordi jeg kommer fra en musikalsk familie som støtter musikk. Og disse albumene, og mengden av brev og meldinger som jeg mottar på alle plattformer - min favorittdel av det er at pianomusikken min har fulgt folk i deres mørkeste tider, selv gjennom dødsfall og begravelser. Men på den mer positive siden fulgte det med at så mange nyfødte babyer ble født inn på føderommet på sykehuset og i hjemmene deres. Jeg elsker å høre de historiene eller at musikken min er en sårt tiltrengt venn. Fordi dette er instrumentell musikk ved at den er mye mer universell på grunn av mangelen på språk. Det er bare et kutt rett i hjertet. Så vi har ikke å gjøre med ulike typer språk, vi har å gjøre med noe som snakker til hele verden.


Musikken hans er en form for terapi

Jeg kom til musikk for ett mål - det er bare terapeutisk, det er strøende for meg. Det var å hjelpe meg selv og på sin side hjelpe andre mennesker. Musikk holdt meg unna problemer, musikk hjalp meg gjennom noen virkelig vanskelige tider, også som barn. Ikke at jeg hadde noen store traumer, men da foreldrene mine skilte seg og til slutt skilte seg da jeg var relativt ung, begravde jeg meg selv i musikken, og pianoet ble en forlengelse. Jeg har spilt instrumentet siden jeg var 3 år gammel, med skikkelige leksjoner. Dette er egentlig det 45. året jeg har spilt AV-instrumentet som er vilt. Det får meg til å føle meg gammel når jeg hører det nummeret... men musikk, dets primære mål er å bevege folk - det er kunst, og jeg er bare beæret over at folk lar meg gå inn i deres verden i en time eller 52 minutter, lengden av et album.

Jeg lette etter album som dette da jeg begynte å lage denne typen album for 15 eller 16 år siden - jeg produserte popplater allerede. Jeg jobbet med store artister som Celine Dion og Josh Groban... men jeg følte fortsatt et behov for å komme tilbake til det grunnleggende da, fordi alle spurte meg hele tiden, hva er et bra pianoalbum å lytte til, å sovne til, å lese for, å være introspektiv til? Og jeg kunne ikke tenke på noen andre enn noen utrolige jazzpianister som jeg kjente. Jeg mener, det var noen åpenbare New Age-pianister, men jeg vet ikke om musikken min er New Age heller - det er solo samtids pianomusikk, og jeg gjør den med vilje kjølig og sakte. Jeg kunne spille fort, jeg kan spille virtuost, men jeg tar meg med vilje tid med mellomrommet mellom tonene for å roe oss ned fordi jeg trenger det.


Om å bli en bedre musiker

Folk pleide alltid å spørre meg når tror du du ville pensjonere deg. Du trekker deg ikke tilbake fra musikk, den bare griper deg og den tar tak i deg til du forlater denne jorden. Men hva gjør meg til en bedre musiker? Jeg er velsignet som har kommet fra en familie av musikere og hvor det ble aktet, og det ble oppmuntret. Så jeg øvde, og jeg fikk det tekniske anlegget under fingrene, og det tok flere tiår – og det gjør det fortsatt. Selv da jeg laget dette albumet, øvde jeg faktisk på stykkene mine denne gangen, i motsetning til å bare sitte der og improvisere, noe jeg ofte gjør. Men når du vokser opp som voksen, som menneske, som far, som partner for mennesker i livet mitt, blir du uunngåelig en bedre artist. Jeg kan faktisk ha vært en bedre musiker for 15 år siden, da kotelettene mine var solide. Da jeg ikke hadde barn, hadde jeg tid til å bruke 8 eller 10 timer til å praktisere håndverket mitt. Men heldigvis legger jeg de timene inn fordi dette muskelminnet bare ikke blir borte. Du må holde deg skarp. Men jeg har absolutt blitt en bedre artist i kraft av å alltid prøve å bli et bedre menneske og forbli sårbar og åpen slik at jeg kan vokse hele tiden.


Å lage Løvehjerte under pandemien

Det siste albumet mitt som kom ut i fjor kalt Tales Of Solace var pre-pandemi og alle trodde jeg skrev det i pandemien. Jeg skrev det før det - ironisk nok var timingen bare en vakker kollisjon av at verden stengte seg og livet mitt føltes for komplisert. Jeg laget dette veldig intime albumet som jeg trengte som terapi. Jeg gikk gjennom en annen evolusjon i forholdet mitt, og folk kjøpte det fordi det var autentisk - det var en fyr i dette pianorommet. Så skjedde pandemien og alle trodde det var det trege albumet med instrumental pianomusikk. 250 millioner strømmer senere er det en ære å se at folk har reagert på dette autentisk og ærlig på det igjen.

Dette albumet skrev jeg faktisk i løpet av de første tre eller fire månedene av pandemien, eller i det minste spirene til melodiene. Vet du hva vi alle opplevde mellom for eksempel mars og juni i fjor? Vi lurte alle på hva i helvete som foregikk, og dette var nytt for alle, ingen opplevde en pandemistans som dette. Jeg skulle til studioet mitt i Santa Monica daglig, og vi var ikke engang klar over at det var portforbud i Los Angeles, og jeg skulle ikke engang være der ute. Men jeg låste meg inne i 12 eller 15 timer og kom opp med omtrent 40 timer med musikk, mye improviserte ting. Noen av dem er kun én-takes, og det er et par som er improvisasjoner som endte opp med å bli den endelige versjonen. Tre måneder senere, og det var mer en følelse av håp til det albumet, som nå heter Lionheart .

Der jeg er i livet mitt, sier jeg at jeg ikke lenger trenger folks meninger og at de ikke påvirker meg slik de pleide før. Det er et spesielt stykke i albumet som hadde en veldig edel lyd. Det føltes som en ridder i skinnende rustning, og jeg så på kjente riddere - Ridderen Richard eller Jeanne d'Arc. Og Jeanne d'Arc, det var noe ved siden av navnet hennes, og et av avsnittene sa at hun var løvehjertet. Jeg googlet den definisjonen, og den sa tapperhet og besluttsomhet, og det føltes som om det oppsummerte livet mitt akkurat nå på 48 år.

Selv om det er en enorm klassisk innflytelse på Lionheart , er det mye poppåvirkning ved at jeg behandlet disse som minipoplåter med arrangementet av vers, pre-refreng, vers, pre-chorus og bridge, ofte. Det var en enorm intensjon, en drivkraft mot å virkelig gi folk utrolig melodi, spesielt på dette albumet.

Så jeg overlot ikke mye av det til tilfeldighetene. Jeg skrev stykket, arrangerte det, og så spilte jeg noen ganger nord for 40 opptak på noen av disse stykkene. «Le Jardin de Monsieur Monet» – Jeg har sikkert over 75 versjoner og tar av den fordi jeg fristet så mange tempoer av den sangen. Det var sinnssykt.


Hvordan han velger den endelige versjonen av en sang

Jeg har privilegiet av tid. Jeg har et toppmoderne studio hjemme, og jeg kan lytte til dette og virkelig være kritisk til tempoene. Jeg er veldig hard mot meg selv under prosessen, og jeg tror det er den eneste måten for meg å få til en ren, ærlig forestilling. Jeg hadde lyttet til forskjellige tempoer og måtte øve, og jeg spurte meg selv hele tiden: Hvorfor gjør jeg dette? Jeg prøver bare å skape skjønnhet og et øyeblikk av stillhet for folk når de hører på pianomusikken min, og jeg måtte fortsette å drive den trosbekjennelsen, det budskapet, tilbake til musikken min. Jeg setter opp skilt i miljøet mitt og i studioet mitt: «enkel», «elegant», «hjertet», «følelse» og alle den slags ord for å minne meg på hvorfor jeg gjorde dette. Jeg ville at albumet - de fleste av mine pianoalbum - skulle føles som om jeg er i stua din og spiller kun for deg.


"En ny dag har kommet"

«A New Day Has Come» var min første store, internasjonale hit som virkelig satte meg på det internasjonale kartet som forfatter, og etter hvert som produsent. Det var en pianomelodi som jeg hadde hengt med i lengste tid. Jeg tok det med til Montreal til min samarbeidspartner, Aldo Nova, og han visste hvor han skulle gå med det lyrisk. Han er ganske gode venner med Celine og kjenner henne personlig, og nå har jeg gjort det de siste 25 årene. Men den sangen ble skrevet som en vals i 6/8, og da hadde radioversjonen komprimert den og fått den til 4/4, men du skal ikke klage. Den gang selger du fortsatt plater og alle liker, hvorfor klager du? Vel, det fine med det er at vi endte opp med å ha to versjoner av den sangen på albumet, og det endte opp med å bli tittelen på albumet hennes. Det var 50/50, og det er virkelig tøft å være 50/50 på en popplate i disse dager. Det er 10 000 forfattere i disse dager - det er bokstavelig talt 14 eller 16 forfattere til tider - og alle deler seg og det er små splittelser i det. Men det var en anomali, det var som om jeg hadde to sanger på et Celine Dion-album da hun fortsatt solgte nord for 20 millioner album per pop.

Når det gjelder sang, den delen som går "hysj nå ..." som endte opp med å være meg som sang bakgrunn med Celine, det var bare en utrolig opplevelse. Så en av mine mentorer Walter Afanasieff, på den tiden en stor popprodusent og stor pianist selv, endte opp med å ringe meg og si at han fikk i oppdrag å produsere den endelige versjonen, men jeg hadde produsert demoen. Han endte opp med å beholde det meste av pianoet og keyboardene mine, og vi satte bare et 65-manns strykeorkester på det med Celines stemme, og han la til noen andre ting, og resten er historie. Det ble en av de største #1-låtene i 2002.


Fordelen med å være en klassisk musiker i popverdenen

Jeg elsker popmusikk, men jeg er en klassisk musiker først. Jeg vil alltid si det. Men saken er at jeg vokste opp sør i Toronto, nær den amerikanske grensen. Jeg vokste opp med å høre på amerikansk radio, som var veldig spennende radio i Buffalo, New York. Så da jeg trente ved konservatoriet i Toronto, er det som en sveitsisk kniv, den var tveegget... Jeg hadde den klassiske treningen og begynte da også å rote rundt i studioet og lære å programmere med Logic, som var notatskriver på den tiden. Jeg var 11 år gammel, og brukte en Atari-datamaskin som ble en Commodore 64 som til slutt gikk til Apple. Jeg hadde en vakker oppvekst – det hadde jeg virkelig. Broren min og jeg er begge pianister, og det var bare fullt av mye av det. Men til slutt var den treningen nyttig fordi mange problemer jeg finner med mange mennesker som er låtskrivere og som ikke kan produsere, det er frustrerende for dem noen ganger fordi de hører noe i hodet og de ikke vet hvordan de skal den ut eller utfør den. Det krever en enorm mengde tålmodighet, dyktighet også, og heldigvis skjedde det på en måte mens jeg vokste opp.


"Wrecking Ball"

Jeg skrev «Wrecking Ball» sammen med Mozella (Maureen McDonald) – hun er fra Detroit, og bor etter hvert i LA – og en engelsk gentleman ved navn Sacha Skarbek. Vi kom sammen en skjebnesvanger dag tilbake i 2012, og vi kjente ikke hverandre. Jeg tror Mozella hadde kansellert bryllupet sitt på det tidspunktet og hun var virkelig skrøpelig følelsesmessig, og det var mer enn sjenerøst av henne å dele sin sårbare tilstand med oss. Vi var på en måte der for å fange denne utrolige sangen. Dette er pre-Miley - jeg tror utgiveren vår ba oss prøve å skrive en sang for Beyoncé den gangen.

Det er veldig sjeldent - det er ikke det at det ikke skjer - men når du skriver en sang og du pitcherer til en artist som det, er den eneste måten en sang kommer til å bli kuttet på, spesielt av Beyoncé eller Miley eller Celine eller noen av det. natur, sangen må være utrolig. Det må fange oppmerksomheten din. Ellers vil artisten vanligvis være med å skrive og være involvert i den samarbeidsprosessen også i å skrive sangen. Men da vi var ferdige med å skrive «Wrecking Ball» den dagen, følte vi ikke at det nødvendigvis var en Beyoncé-sang, og da var Mozella den som faktisk tilfeldig sa: «Jeg tror jeg skal se Miley om noen uker . Har dere noe imot at jeg spiller denne sangen for Miley?" Og vi hadde en utrolig demo av sangen. Den enkle melodien oversatt så vakkert og så ærlig med Mozella som synger den... Jeg visste at "Wrecking Ball" var en stor ting.

Samarbeidspartnerne mine, Mozella og Sacha, jeg elsker disse to menneskene dypt. Vi var alle omtrent like gamle, Mozella var litt yngre, men alle etablert i karrieren vår med respekt, og vi følte bare at vi prøvde å skrive den beste sangen som er mulig den dagen. Og det gjorde vi. Så da Miley hørte det, gikk hun gjennom bruddet, og hun gikk gjennom en overgang, og det falt i hendene på Dr. Luke, og resten er historie. Jeg mener videoen kombinert med at hun ønsket å bryte imaget sitt som Hannah Montana- stjernen og popsensasjonen Miley Cyrus.


Hvordan han tok kontroll over kunsten sin

Moccio jobber med The Weeknd Moccio jobber med The Weeknd
Jeg er en kontrollfreak bare når det kommer til kunsten min, og jeg tror du må være det. Det er veldig sjeldent - Mileys var et unntak, men hele plata ble drevet av pianoprestasjonen min. Så Sacha, jeg og Mozella hadde allerede bestemt oss for toneart og tempo, og heldigvis fungerte det for Miley. Det var i d-moll, det er en vakker toneart. Jeg husker at jeg spesifikt jobbet en time i studio før vi kuttet demoen og bare sa at det kunne være 60 BPM, 62 eller 60... Jeg er så fornøyd med tempovalget, det endte med at det holdt fast også. Så pianoet mitt hadde drevet hele plata. Men så tok Luke og Circuit, hans medprodusent, det virkelig til et helt annet nivå av pop-rock-sensasjon. Det var bare et stort, stort refreng, og vi visste at det var et stort refreng. Jeg var fornøyd med måten den plata hørtes ut på, men mange ganger, hvis jeg overlater prosjektet mitt til en annen produsent, 9 ganger av 10, er jeg skuffet. Så jeg bestemte meg for at den eneste måten jeg kunne være lykkelig på, er hvis jeg begynte å produsere mine egne plater også. Og det gjorde jeg.

Mitt største skifte som produsent kom da jeg begynte å produsere The Weeknd 1 , og jobbe med ham og etter hvert andre mennesker som produsent og samarbeidspartner. Men, du ser på de store artistene - vel og merke The Beatles. Jeg mener, Jesus, de hadde George Martin, som var en legendarisk produsent, og hadde absolutt en lyd og et klassisk element som brakte så mye til lyden deres og musikken deres. Men Prince, for eksempel, han bekreftet dette, han elsket å kontrollere alle elementer i den kreative prosessen - du bør ønske det, spesielt hvis det er å kommunisere noe personlig. Så det er litt av grunnen til at jeg kom tilbake til pianomusikk. Det er enkelt, det er elegant, det er én fyr og et instrument. Men på mange måter er det ingen klikk. Når jeg spiller inn pianomusikk, gjør jeg det ikke til et klikk - det er ingen sikkerhet der. Jeg har bare en samtale med meg selv, fra hjertet til hjernen gjennom fingrene og inn på pianoet og på et treinstrument. Og det er noe virkelig organisk og noe virkelig ekte med det. For det var der jeg begynte da jeg var 3 – ved pianoet. Men det er ikke å si at jeg skal tilbake og gjøre noen flere popplater. Men akkurat nå er jeg glad akkurat i denne banen.


Finne den rette nøkkelen

Jeg har synestesi, som betyr at jeg ser farger gjennom lyd. Så for meg er C-dur gult. D er grønn. F er grå, og G er brun, et cetera. Selv på pianoalbumene mine vil du ofte se ett spor eller komposisjon oppkalt etter en farge - på denne siste, Lionheart , er "Myrtle" en av dem. Den før det var «Burgundy», og den før det var «Blå» og så «Rød» og videre og videre.

Tangenter og tempo er for meg grunnlaget for en flott poplåt, eller grunnlaget for et flott stykke solo, samtidsmusikk. Du må tenke på det på denne måten - først og fremst må du finne en nøkkel som fungerer for artisten som skal tillate dem å høres best ut. Jeg kan spille i hvilken som helst toneart. Jeg kan spille "Wrecking Ball" akkurat nå for deg i alle 12 forskjellige toner på stedet ... akkurat som det. Og jeg forteller deg ikke det for å være arrogant, jeg sier det fordi det er min sterke side. I studio, hvis jeg sitter ned med Celine Dion, for eksempel, vil jeg ofte gå gjennom hele syklusen av tangenter for å finne ut hvor sangen kommer til å høres best ut i hennes utvalg. Du vil bare presse den artisten nok når du lager plater. Det er derfor mange ganger du vil høre artisten få ned akkurat den sangen på konsert et halvt trinn fordi de må synge den hver kveld, og en stor produsent som har laget en flott plate vil ofte ha presset den akkurat nok til å gi den den ekstra lille energien. Si for eksempel at E-flat er litt for høyt, forhåpentligvis blir du der for rekorden, og så vil artisten fremføre den sangen i D-dur bare for å gi stemmen sin en pause.

Jeg mener, Celine har øyeblikk etter øyeblikk med høye toner av bare rasende blend for folk... hun er umenneskelig den kvinnen, på den beste måten. Hun er fantastisk, men selv Celine Dion, hun må være forsiktig med det utrolige instrumentet hennes og gi det en hvile hver natt, så noen ganger er det en god ting å bytte toneart.

Opptreden live

Jeg pleide å opptre live hele tiden før jeg flyttet til USA som pianist, og jeg elsker det. Jeg er utdannet som liveartist og komponist, og det er bare typisk meg selv og et piano. En gang i blant gjør jeg en konsert med orkesteret - det er et helt annet beist - men jeg elsker intimiteten i det. COVID, dessverre, har påvirket oss alle på ubestemt tid, men ting åpner seg, folk opptrer igjen, takk Gud, og jeg gleder meg til å turnere neste år i 2022.


Hva er hans personlige favoritt fra Lionheart ?

Jeg har ingen personlig favoritt, men jeg har et par øyeblikk. Jeg har en sang som heter "Halston" som jeg oppkalte etter den kjente designeren. Det representerer på en måte livet hans - her er mannen som er enormt talentfull, levde et raskt liv, solgte navnet sitt til JC Penney og i utgangspunktet mistet all kontroll over merkevaren og kunsten sin, og det var en tragedie. Så du har dette veldig reflekterende, høytidelige stykket. Det var en av de første stykkene jeg skrev til dette albumet.

Men et stykke som er veldig spesielt er det siste stykket som heter "Fireflies", og det er noe virkelig håpefullt med det, og jeg bestemte meg for at jeg ville avslutte albumet slik, bare minne folket om at det er mye mer håp enn ting som er solid og mørk, eller i det minste vil jeg at folk skal føle det slik. Så det høres ut som en poplåt, som et Coldplay-musikk eller noe U2 ville gjort. Det er litt over de fire progresjonene og det er enkelt, men det kom ved et uhell. Jeg spilte det inn, og det var bare i følelsen av fremføringen min, tempoet... det var ett grep, og jeg elsket fargen på det. Det er ikke favorittstykket mitt, men det er et spesielt stykke.

«Fireflies» er fire akkorder som fortsatt er veldig pop, men jeg forlater ikke disse akkordene, noe som er unikt fordi en sang som «Halston» er ganske kompleks. Det er mye flere akkorder, men det høres fortsatt enkelt ut, men det er veldig klassisk harmoni - det er noe veldig kompleks harmoni på dette som jeg fortsatt prøver å holde det høres enkelt ut. Men jeg trodde «Fireflies» oppsummerte min klassiske og popverden på en måte som kan bringe folk sammen, og det er et av de stykkene som er mer en følelse enn det er en faktisk komposisjon.


Hvordan får han en sang til å høres håpefull ut?

Vi kan bare bryte ned popprogresjonen. Så jeg mener, bare de fire akkordene i B-moll - den første akkorden er mørk, B-flat. Og så går du til den relative majoren, D-flat - vakker og håpefull. Og så fire-akkorden, og så to-akkorden. Kraften til de fire akkordene i den rekken, den har blitt brukt i en mengde sanger i løpet av de siste, uansett, 10 000 årene. Slik jeg stemmer det på piano, bruker jeg virkelig tid på å gruppere notene mine også, og sørge for at det er vanlige toner som forblir i hver tone. D-flat, som vi er i D-flat dur, er den ene tonen som forblir gjennom alle disse akkordene, og det er noe som forbinder vevet til de fire akkordene hele tiden. Og det er derfor folk elsker det - Coldplay er gode til å gjøre dette med lange toner på gitaren, det samme med U2 og Danny Lanois som produsent, og du kan skrive en mengde forskjellige melodier på toppen av disse akkordene hvis du bare bryter dem ned .

Jeg tror det er nøkkelen til stor kunst - å holde ting bevisst, men åpen nok for tolkning for alle. Det er vakkert når alle har sin egen tolkning - ja jeg har min, og noen ganger har jeg veldig sterke intensjoner om hvor melodien til en sang kommer fra. Noen ganger vet jeg ikke hvor i helvete det kommer fra. Det kommer bare fra fingrene mine - jeg bare lander det på pianoet og sier: "Åh, det høres fantastisk ut, det var en hyggelig overraskelse."

Og «Fireflies» var litt av det. Det var bare meg som improviserte og jeg kuttet det opp. Det folk ikke skjønner er at det var en hel del før den, så jeg spilte på en måte denne tonearten (Stephan spiller) kanskje på toppen av fire akkorder og alt rullet, og jeg begynte å gå slik (spiller et litt raskere tempo ) og det endte opp med å bli den siste forestillingen, og jeg holdt det gående.


Oppnå balanse med pianoet

Jeg er delvis til pianoet, helt klart. Det har vært med meg hele livet. Den ene tingen med piano - fordi jeg jobber med orkestre og jeg dirigerer og arrangerer også - du har hele spekteret av instrumentene lagt ut på tangentene dine, slik at du faktisk ser hvor celloene er, hvor bratsjene er, fiolinene , treblåserne. Det er grunnen til at mange av de store arrangørene tilfeldigvis er pianospillere - bare fordi alt er tilgjengelig for deg, og du begynner å forstå balansen og hvordan du kan kurere ting.

Nøkkelen til enhver kunstsamtale eller et forhold er at det er akkurat nok av alt - ikke for mye og ikke for lite. Det er balanse.

26. oktober 2021

Abonner på dawnhawk.org-podcasten , en del av Pantheon Network

bilder: Meagan Shuptar

Mer på stephanmoccio.com

Fotnoter:

  • 1] Stephan skrev og produserte The Weeknds «Earned It» , hovedsingelen til Fifty Shades Of Grey- lydsporet og vinner av Grammy-prisen for beste R&B-opptreden i 2016. ( tilbake )

Mer dawnhawk.org Podcast

Kommentarer

Vær den første til å kommentere...